Archive for 7 octubre 2010

performance Bordando el tiempo, Angel Corral

octubre 7, 2010

Performance “Bordando el tiempo” d’Àngel Corral

Dimarts 12 d’octubre 2010 a les 12’30h.

Durant l’any 2010, cada dia, Àngel Corral broda en un llenç sobre bastidor el número del dia corresponent. Acumulant dies i obres, realitzant un treball deliberadament monòton però, alhora, significatiu i subtil lliga art i domesticitat. Porta a terme la seva acció en la intimitat del seu estudi o a diversos centres públics d’art, en una itinerància per tot el país. Es produeix una certa solemnitat però també una interacció cordial amb el públic, que comparteix d’alguna manera el seu gest. La seva performance té també una dimensió sonora captivadora.

Durante el año 2010, cada día, Ángel Corral borda en un lienzo sobre bastidor el número del día correspondiente. Acumulando días y obras, realizando un trabajo deliberadamente monótono pero al mismo tiempo significativo y sutil, liga arte y domesticidad. Lleva a cabo su acción en la intimidad de su estudio o en centros de arte públicos, en una itinerancia por todo el país. Se produce en ella una cierta solemnidad pero también una interacción cordial con el público, que comparte de alguna manera su gesto. Su performance tiene también una dimensión sonora cautivadora.

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inauguració Ignasi Aballí: Pòsit

octubre 3, 2010

Diumenge 10 d’octubre a les 19 h inauguració de l’exposició Ignasi Aballí: Pòsit.
Domingo 10 d’octubre a las 19 h inauguración de la exposición Ignasi Aballí: Pòsit.

(sigue en castellano)

Ignasi Aballí

Pòsit

Ignasi Aballí s’adona de l’excés de soroll, de substantivització, de marca, d’objectes, de jo, i de com aquest excés va en detriment del sentit, de la consciència pròpia. Així, es proposa de desconstruir (o reconstruir) la naturalesa del fet creador i, amb aquesta, de la identitat que es desenvolupa en la dialèctica entre la nostra voluntat i el món. I quin és el factor, el vehicle i el substrat de totes les nostres accions i del seu possible sentit? El temps.

Aballí segueix un mètode singular: deixar fer, no fer sinó que el temps pinti, modeli, composi, faci. Ho ha posat en pràctica amb l’obra d’art (per exemple, al seu llenç cobert de la pols adherida durant anys) i també en allò que l’envolta, legitima i comunica: l’exposició. El 2008, al Museo de Portimão, va deixar la seva càmera fotogràfica dins d’una vitrina i es va comprometre a no fer cap foto durant el temps que durés la mostra. Per a l’Espai Guinovart d’Agramunt, Aballí ha proposat un treball específic. Però no hi ha cap peça, ni l’artista ha produït res, sinó que la peça és una exposició. Pòsit és una exposició d’obres que Aballí ha anat acumulant al llarg del anys, per interès o casualitat, de Josep Guinovart. Lògicament, com a exposició és molt modesta, mínima i fragmentària, comparada amb el que es pot veure sincrònicament a l’Espai Guinovart, on s’ofereix una selecció molt notable d’obres.

Aballí presenta una obra que no és tal, que no ha esta feta sinó recollida (després de constituir-se a l’atzar del temps) i que ha estat produïda per un altre autor. El que hi veiem és el que li resta físicament a Aballí de Guinovart: un pòsit, és a dir, allò que el temps ha anat decantant, per oposició al (di)pòsit que es constitueix deliberadament en l’afany protector d’estalvi i de previsió de futur. Aballí recontextualitza aquests vestigis, però no es tracta simplement (com ja havien fet abans els informalistes i els neorealistes) de detritus, sinó de l’absència, que és una espècie de presència particular, en negatiu, tant de l’autor (Aballí?) com del productor (Guinovart?).

Aballí prefereix inventariar, classificar, recollir sense acumular o atresorar, per fer visibles processos i realitats. Enfront de la cultura contemporània del consum i de la quantitat, ofereix una alternativa tan discreta com contundent. En darrer terme, potser és aquest l’aspecte que reuneix dos artistes tan diferents generacionalment i pels continguts: aquesta mena d’ecologia fonamental. Guinovart l’expressa de manera romàntica, Aballí ho fa de forma econòmica. No en varia la pertinència.

Àlex Mitrani

Ignasi Aballí

Pòsit [Poso]

Ignasi Aballí se percata del exceso de ruido, de sustantivización, de marca, de objetos, de yo, y de cómo este exceso va en detrimento del sentido, de la conciencia propia. Así, se propone desconstruir (o reconstruir) la naturaleza del hecho creador y, con ésta, de la identidad que se desarrolla en la dialéctica entre nuestra voluntad y el mundo. ¿Y cuál es el factor, el vehículo y el sustrato de todas nuestras acciones y de su posible sentido? El tiempo.

Aballí sigue un método singular: dejar hacer, no hacer sino que el tiempo pinte, modele, componga, haga. Lo ha puesto en práctica con la obra de arte (por ejemplo, en su lienzo cubierto del polvo adherido durante años) y también en lo que la rodea, legitima y comunica: la exposición. En 2008, en el Museo de Portimão, dejó su cámara fotográfica dentro de una vitrina y se comprometió a no hacer foto alguna durante el tiempo que durase la muestra. Para el Espai Guinovart de Agramunt, Aballí ha propuesto un trabajo específico. Pero no hay ninguna pieza en él, ni el artista ha producido nada, sino que la pieza es una exposición. Pòsit (Poso) es una exposición de obras que Aballí ha ido acumulando a lo largo de los años, por interés o casualidad, de Josep Guinovart. Lógicamente, como exposición es muy modesta, mínima y fragmentaria, comparada con lo que se puede ver sincrónicamente en el Espai Guinovart, donde se ofrece una selección muy notable de obras.

Aballí presenta una obra que no es tal, que no ha sido hecha sino recogida (después de constituirse al azar del tiempo) y que ha sido producida por otro autor. Lo que vemos en ella es lo que le queda físicamente a Aballí de Guinovart: un poso, es decir, lo que el tiempo ha ido decantando, por oposición al depósito que se constituye deliberadamente en el afán protector de ahorro y de previsión de futuro. Aballí recontextualiza estos vestigios, pero no se trata simplemente (como ya habían hecho antes los informalistas y los neorrealistas) de detritos, sino de la ausencia, que es una especie de presencia particular, en negativo, tanto del autor (Aballí?) como del productor (Guinovart?).

Aballí prefiere inventariar, clasificar, recoger sin acumular o atesorar, para hacer visibles procesos y realidades. Frente a la cultura contemporánea del consumo y de la cantidad, ofrece una alternativa tan discreta como contundente. En último término, quizá es éste el aspecto que reúne a dos artistas tan diferentes generacionalmente y por los contenidos: esta especie de ecología fundamental. Guinovart la expresa de manera romántica, Aballí lo hace de forma económica. No varía su pertinencia.

Àlex Mitrani

inauguració Josep Guinovart: el temps com a eina.

octubre 3, 2010

Diumenge 10 d’octubre a les 19 h inauguració de l’exposició Josep Guinovart el temps com a eina.
Domingo 10 d’octubre a las 19 h inauguración de la exposición Josep Guinovart: el tiempo como herramienta.

(texto sigue en castellano)

Josep Guinovart. El temps com a eina

Pocs artistes del nostre context han estat tan directament ocupats i lligats a la qüestió del temps com Guinovart. Guinovart és un artista genuïnament modern (i en aquest sentit, avui dia, tan inactual com necessari): és a dir, que participa del convenciment (o millor, la voluntat) que la humanitat ha de ser capaç de progressar, d’avançar en el temps emprant-lo per millorar la dignitat i les condicions de vida tant de l’individu com de la col·lectivitat. Però, matisant la linealitat evolucionista de la tradició cristiana i del racionalisme tecnocràtic, Guinovart sap que el temps s’ha d’acompanyar, que s’ha de treballar amb ell en lloc de lluitar-hi per treure’n un profit de saviesa i creixement.Per explicar aquesta complicitat temporal de Guinovart, hem dividit l’exposició en tres àmbits que reflecteixen les seves dimensions i usos.

Mort, nit i crema: una fi o un començament. Un dels motius iconogràfics recurrents en Guinovart és el crani, que actua com una mena d’advertiment sinistre sobre la presència, a voltes amagada però indefugible, de la mort. La finitud i la destrucció formarien part de la vida. La foscor nocturna, el negre del cremat (per exemple, dels rostolls) recorden la destrucció bèl·lica o la negació, però també els processos necessaris per preparar el cultiu o l’interval per al ressorgiment del dia.

El treball creador i el cicle del cultiu. Guinovart no sembla compartir ni els fatalismes apocalíptics que durant segles han atemorit els homes ni la prepotència cultural que pretén ser capaç de dominar de manera omniscient el món, com si la humanitat no fos també fragilitat. Per això, des dels seus inicis, ha estat atent als ritmes de la natura, invencible, sempre revivificada. La tradició camperola mostra el camí de respecte i la necessària atenció cap als ritmes biològics. La cultura agrària és, per a Guinovart, un model per a la creació artística i una forma de redempció activa.

La memòria i l’ètica del futur. L’ou, com la llavor, és símbol de fertilitat. El temps, per a Guinovart, és també, en l’espai humà, història i utopia. La memòria (amb el Guernica de Picasso com a emblema) és necessària per fer possible el bàlsam del record i el sentit de justícia en l’esdevenir. La llum indubtable i blanca és l’afirmació de la confiança en el futur millor i és aquesta confiança la que dóna entitat, força i sentit al temps.

Àlex Mitrani

Josep Guinovart. El tiempo como herramienta

Pocos artistas de nuestro contexto han estado tan directamente ocupados y ligados a la cuestión del tiempo como Guinovart. Guinovart es un artista genuinamente moderno (y en este sentido, hoy en día, tan inactual como necesario): es decir, que participa del convencimiento (o mejor, la voluntad) de que la humanidad debe ser capaz de progresar, de avanzar en el tiempo us·ndolo para mejorar la dignidad y las condiciones de vida tanto del individuo como de la colectividad. Pero, matizando la linealidad evolucionista de la tradición cristiana y del racionalismo tecnocrático, Guinovart sabe que el tiempo se debe acompañar, que se debe trabajar con él en vez de luchar contra él para sacarle un provecho de sabiduría y crecimiento. Para explicar esta complicidad temporal de Guinovart, hemos dividido la exposición en tres ámbitos que reflejan sus dimensiones y usos.

Muerte, noche y quema: un fin o un comienzo. Uno de los motivos iconográficos recurrentes en Guinovart es el cr·neo, que actúa como una especie de advertencia siniestra sobre la presencia, a veces escondida pero ineludible, de la muerte. La finitud y la destrucción formarían parte de la vida. La oscuridad nocturna, el negro de lo quemado (por ejemplo, de los rastrojos) recuerdan la destrucción bélica o la negación, pero también los procesos necesarios para preparar el cultivo o el intervalo para el resurgimiento del dÌa.

El trabajo creador y el ciclo del cultivo. Guinovart no parece compartir ni los fatalismos apocalÌpticos que durante siglos han atemorizado a los hombres ni la prepotencia cultural que pretende ser capaz de dominar de forma omnisciente el mundo, como si la humanidad no fuera tambiÈn fragilidad. Por ello, desde sus inicios, ha estado atento a los ritmos de la naturaleza, invencible, siempre revivificada. La tradición campesina muestra el camino de respeto y la necesaria atención hacia los ritmos biológicos. La cultura agraria es, para Guinovart, un modelo para la creación artÌstica y una forma de redención activa.

La memoria y la ética del futuro. El huevo, como la semilla, es símbolo de fertilidad. El tiempo, para Guinovart, es también, en el espacio humano, historia y utopéa. La memoria (con el Guernica de Picasso como emblema) es necesaria para hacer posible el bálsamo del recuerdo y el sentido de justicia en el porvenir. La luz indudable y blanca es la afirmación de la confianza en el futuro mejor y es esta confianza la que da entidad, fuerza y sentido al tiempo.

Alex Mitrani